Rincón de reseñas
En este espacio encontrarás reseñas de libros, obras de teatro, películas y series. ¡No dudes en dejar tu comentario!
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Reseña de la tetralogía Cementerio
de libros olvidados, de Carlos Ruiz Zafón
«Cada libro, cada tomo que ves, tiene alma. El alma de quien
lo escribió, y el alma de quienes lo leyeron y vivieron y soñaron con él».
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Publicado en 2001, La sombra del viento es el primer libro
de la saga Cementerio de los libros
olvidados, compuesta por El juego del
ángel (2008), El prisionero del cielo
(2011) y El laberinto de los espíritus
(2016).
Ambientadas en una misteriosa Barcelona, son cuatro
historias independientes pero que comparten algunos personajes y escenarios.
En La sombra del
viento, el niño Daniel Sempere es llevado por su padre a un lugar mágico y
secreto: El Cementerio de los Libros Olvidados. Allí, este le indica que
navegue por el laberinto de ejemplares y elija uno. El niño selecciona La
sombra del viento, de Julián Carax, autor que muy pocos conocen y cuyas novelas
son casi imposibles de conseguir.
A medida que crece, durante la primera mitad del siglo XX,
Daniel va investigando qué fue del autor y sus libros, y se ve envuelto en una
intrincada red de intriga, misterios, secretos y mentiras muy difícil de
desentrañar.
Con una gran literariedad que atrapa hasta el final y cambios de narrador, página a página el lector va descubriendo la verdad de la mano de diferentes personajes que ayudan o dificultan la investigación de Daniel. ¿Llegará a conocer la verdad? ¿Quién es el enigmático Laín Coubert? ¿Recibirá su merecido el malvado inspector Fumero?
Te invitamos a averiguarlo...
El juego del ángel
nos sumerge en una Barcelona de los años 20 del siglo pasado, que mantiene su
aura de magia y misterio que se nos presenta en la primera entrega. La historia
versa sobre la vida de David Martín, un joven escritor con talento pero sin
éxito, quien comienza su carrera como folletinista y autor de historias de
misterios poco valorada por los literatos. De la mano de Sempere, dueño de la
librería de la calle Santa Ana (ya conocida en la entrega anterior), Martín
conoce El Cementerio de los Libros Olvidados, en donde elige una obra que luego
descubrirá que está relacionado con lo que le tocará vivir.
Tiempo después, David termina aceptando la propuesta de un extraño editor llamado Andreas Corelli para escribir un aún más extraño libro. A partir de ese momento, inesperados, peligrosos e insólitos sucesos se le presentan al autor.
Se trata de una historia de intriga y romance, que nos transportará a un laberinto de secretos insospechado.
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En El prisionero del cielo nos encontramos otra vez con Daniel Sempere, ya casado y padre de un niño, y Fermín Romero de Torres, personajes del primer volumen de esta tetralogía de Carlos Ruiz Zafón. Ambos trabajan en la librería Sempere e hijos tranquilamente hasta que un día se presenta un enigmático individuo, cuya visita será el disparador del conflicto de esta historia.
Con una prosa envolvente, esta obra de amor y amistad
incondicional va entrelazando los diferentes hilos sueltos que fue dejando en
los dos volúmenes anteriores para aunarlos en esta entrega.
Acostumbrados a la gran extensión de las dos obras anteriores de la saga, este libro deja en alguna medida sabor a poco y deseos de más aventura y misterio, aunque el autor no desilusiona en su estilo, que continúa seduciendo a sus lectores como en todos sus libros.
Sobre el autor
Carlos Ruiz Zafón (1964-2020), traducido a más de cincuenta
idiomas, fue uno de los autores más reconocidos de la literatura internacional
de nuestros días y uno de los escritores españoles más leído en todo el mundo
después de Cervantes.
En 1993 se da a conocer con El Príncipe de la niebla, que
forma, con El Palacio de la medianoche y Las luces de septiembre, la Trilogía
de la niebla. En 1998 llega Marina y en 2001 publica La sombra del viento, la
primera novela de la saga de Cementerio de los Libros Olvidados, que incluye El
juego del ángel, El prisionero del cielo y El laberinto de los espíritus, un
universo literario que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos de las
letras contemporáneas en los cinco continentes.
Zafón murió a los 55 años de edad en junio de 2020 por un
cáncer de colon que padecía desde 2018.
El visitante, de Stephen King
Publicada en el 2018, la novela cuenta la historia del brutal asesinato de un niño de 11 años y su investigación. Todas las evidencias apuntan a un reconocido entrenador y profesor de Literatura de la pequeña ciudad de Flint City, sin embargo, este posee una sólida coartada, a pesar de las pruebas de ADN y huellas dactilares. ¿Cómo es posible? Para conocer la respuesta, tendrás que sumergirte en el abismo de sus páginas.
El visitante es una mezcla de terror y novela policial. Fiel a su estilo, King nos presenta aquí una historia con lenguaje sencillo, mucho diálogo, capítulos cortos, descripciones que nos ayudan a contextualizar la historia y visualizar las escenas.
En esta novela se podría decir que hay dos partes. La primera es la que presenta el caso, a los personajes y plantea el conflicto. Se trata de la parte más policial. En la segunda, basándose en una conocida leyenda, comienzan a aparecer ciertos elementos que rompen con el realismo y descoloca a los personajes, en especial al detective Ralph Anderson. Poco a poco, el lector va conociendo una perturbadora cara de esta historia.
A pesar de algunos detalles prescindibles, la novela logra
atrapar y desear conocer el final.
Sobre el autor
Escritor estadounidense, se ganó el favor de la crítica con su
primera novela, Carrie (1974), a la que seguirían El resplandor (1977), que le
valió un gran prestigio internacional, It (Eso, 1986), Misery (1987) e Insomnio
(1994), entre muchos otros. Su estilo efectivo y directo, unido a su gran
capacidad para destacar los aspectos más inquietantes de la cotidianidad, le
han convertido en el especialista de literatura de terror (aunque ha realizado
también incursiones en el género fantástico y de ciencia ficción) más vendido
de la historia. Autor a su vez de relatos y guiones para la televisión, muchas
de sus novelas han sido llevadas al cine.
El mono en el remolino, de Selva Almada
Con su pequeña ola y sus remolinos sin salida, iba y venía, con precisión, un mono muerto, todavía completo y no descompuesto. El agua, ante el bosque, fue siempre una invitación al viaje, que él no hizo hasta no ser mono, sino cadáver de mono. El agua quería llevárselo y lo llevaba, pero se le enredó entre los palos del muelle decrépito y ahí estaba él, por irse y no, y ahí estábamos.
Ahí estábamos, por irnos y no.
(Zama, de Antonio Di Benedetto)
El mono en el remolino es un libro de la escritora entrerriana Selva Almada, que reúne las notas del rodaje de “Zama”, un film de la directora Lucrecia Martel inspirado en la novela homónima de 1956, obra maestra del escritor y periodista Antonio Di Benedetto.
La escritora acompañó a Martel y su equipo durante parte del tiempo que duró el rodaje y, a partir de entrevistas y, especialmente, de la observación de todo lo que la rodeaba, construyó esta original obra compuesta por relatos, pequeñas prosas poéticas, incluso un monólogo y escenas reescritas con mínimas variantes. En estas notas, Almada se detiene en los márgenes del rodaje, en las comunidades aborígenes y en la interacción entre las personas del lugar.
Con descripciones claras, sencillas pero muy elocuentes, el libro cuenta mucho más que simplemente lo que sucede en el rodaje de esta película: “Una anciana quom llegó decidida al casting. En el barrio casi no hay viejos: la gente muere antes a causa de la mala alimentación, la pobreza y las enfermedades. Ella es una de las pocas sobrevivientes. (…) Se vio rodeada de personas blancas y extrañas. Tuvo miedo de que la raptaran”.
A lo largo de sus 93 páginas, el lector ve, huele y siente una realidad muy distinta a la que se vive en Buenos Aires. Así, es testigo del calor y el barro, los insectos, el río Paraná, pueblos olvidados repentinamente transmutados en escenografía, las comunidades quom y pilagá, guaraníes, haitianos, cementerios domésticos y más.
Sobre el título del libro, la escritora explicó: “Parecía como que todo estuviese empapado, inmerso en ese remolino, también por eso el título era un poco esa escena que está al comienzo de Zama, que me parece magistral porque es como la síntesis de la novela, el corazón de la novela puesto en la primera página”.
Sobre Selva Almada
Selva Almada nació en Villa Elisa, Entre Ríos, el 5 de abril de 1973. Es escritora y ha incursionado en poesía, cuento y novela. Irrumpió en la no ficción en 2014, con Chicas muertas, un libro de crónicas sobre casos de femicidio en los años 80.
Almada dejó la carrera de comunicación social a los 20 años y empezó a estudiar literatura. Luego publicó los libros de relatos Una chica de provincia y Niños, y el libro de poemas Mal de muñecas. Su producción literaria cobró particular prestigio y elogios de la crítica en 2012 con la publicación de su primera novela, El viento que arrasa, que cuenta con varias reediciones, fue publicada en el exterior y traducida al francés, portugués, holandés y alemán. Este libro obtuvo el Primer Libro del Festival Internacional del Libro de Edimburgo 2019, más conocido como el First Book Award de Edimburgo.
El laberinto, Matthew Reilly
La biblioteca pública de Nueva York es un santuario de conocimientos: un laberinto centenario de imponentes librerías, angostos pasillos e interminables vestíbulos de mármol.
Para el doctor Stephen Swain y su hija Holly es la materialización de una pesadilla… Ya que por una noche, este insigne edificio se convierte en el escenario de una competición. Una competición en la que Swain debe participar, lo quiera o no. Las reglas son sencillas: siete concursantes entran en el laberinto; solo uno saldrá con vida.
Con una niña de ocho años como única aliada, el doctor Swain se ve empujado a librar una terrible batalla por la supervivencia. Puede intentar huir, esconderse o luchar pero, si quiere seguir vivo, tendrá que vencer. En esta competición, o sales victorioso… o no sales.
Desde el comienzo, el lector se encuentra atrapado por lo que sucede y urgido a seguir leyendo, aunque los que no son muy amantes de la ciencia ficción y lo sangriento puede que se desilusionen en alguna medida y no lo agreguen a su lista de libros preferidos. Con todo, es un libro recomendable, en especial, para aquellos que aman la ciencia ficción, la acción y el suspenso.
La caída de los gigantes, de Ken Follett
«La trilogía "The Century" es la historia de mis abuelos y de los vuestros, de nuestros padres y de nuestras vidas. De alguna forma es la historia de todos nosotros». Ken Follet
En esta primera parte de la trilogía –que se completa con El Invierno del Mundo y El umbral de la eternidad- se narra la historia de cinco familias durante el primer cuarto del siglo XX, por lo que se centra especialmente en la Primera Guerra Mundial, la
Revolución rusa y la lucha de hombres y mujeres por sus derechos.
La historia empieza en 1911, el día de la coronación del rey Jorge V en la abadía de Westminster, y el día en que un joven galés baja por primera a la mina. Así, entramos en la vida de dos familias (los Williams y los Fitzherbert) completamente opuestas en muchos sentidos (posición socioeconómica, ideales políticos…), pero que se ven ligadas por diferentes motivos a lo largo de la historia. También el lector pronto conoce a los demás protagonistas, quienes, oriundos de diferentes partes del mundo, por una u otra razón se encuentran o desencuentran dentro de estos turbulentos años de guerra, amor, traición, revolución y mucho más.
Así, con continuos saltos en el punto de vista para centrarse en diferentes personajes, nos sumergimos alternativamente en la dura vida de una familia de mineros de Gales, los sacrificios que llevan para salir adelante y sus profundas convicciones; en el lujo, el despilfarro y las comodidades de la aristocracia; en las tradiciones de la época, en la germinación y explosión de la Revolución Rusa, en manejos políticos, injusticias sociales, luchas por los derechos humanos, abuso de poder, espías, y sangrientos enfrentamientos bélicos.
En esta larga novela histórica, en la que, por supuesto, inserta a personajes históricos, Ken Follet nos ofrece un esmerado retrato de una época y de las pasiones que estimularon la vida de sus personajes.
Retrato en sangre, de John Katzenbach
La sobrina de la detective Mercedes Barren es brutalmente asesinada. Esta, sin encontrar la paz y mucho menos el consuelo, se embarca en una intrincada persecución del asesino, valiéndose de su instinto, coraje e inteligencia. Persecución que no acabará hasta el final... Hasta que uno de los dos termine muerto.
Saltando de un personaje a otro, entre recuerdos, dolor y odio, el lector va conociendo a cada uno de los personajes principales, armando poco a poco el rompecabezas, aunque siempre sorprendido al final.
Atrapante policial dramático del ya conocido John Katzenbach, autor de El psicanalista, quien en su gran repertorio de libros demostró que sabe cómo entretejer historias que sumergen al lector en la marea de letras que componen sus libros.
El canto del cuco, Robert Galbraith
Con un estilo atrapante, J. K. Rowling, bajo el seudónimo de Robert Galbraith, vuelve a cautivar a sus lectores con una nueva saga, aunque en este caso de otro género. Lejos de las varitas mágicas, los hechizos y seres maravillosos, esta escritora británica sumerge a sus lectores en el realismo, concretamente, en la novela policial.
Así, siguiendo las típicas características del género, transporta a sus lectores a la ciudad de Londres, donde una famosa modelo supuestamente se suicida... O por lo menos todos llegan a esa conclusión menos su hermano, quien contrata los servicios de Cormoran Strike, joven veterano de guerra que se gana la vida como detective privado.
Paralelamente, las vueltas de la vida colocan junto a Strike a una bella secretaria temporal, quien vendrá a cambiar algunas de las reglas del juego que él está acostumbrado a llevar a cabo.
Misterio, humor, celos y camaradería se aúnan al talento de Rowling para mantener al lector conjeturando posibles desenlaces hasta el final.
El canto del cuco es el primer volumen de la saga de misterio, compuesta hasta ahora por 4 obras, que tienen como protagonistas a Cormoran Strike y Robin Ellacott: The Cuckoo’s Calling (2013), The Silkworm (2014), Career of Evil (2015) y Lethal White (2018), esta última recientemente publicada.
La chica del tren, de Paula Kawkins
La chica del tren, novela publicada en 2015 y la primera de la autora, fue un éxito de ventas en todo el mundo y traducida a más de 40 idiomas.
En ella, una muchacha —quien, pronto nos enteramos, tiene problemas con el alcohol— viaja todos los días en tren de Ashbury a Londres para ir a trabajar. Durante el recorrido, le gusta observar por la ventanilla todo lo que sucede afuera, en especial, en las casas de una calle en particular, una calle que tiene un gran valor sentimental para ella y que le produce mucho dolor. En una de estas viviendas, casi todas las mañanas observa a una joven pareja en la terraza que da hacia las vías del tren. A ella le agrada esa pareja e imagina cómo serían sus vidas...
Un día ve algo extraño y diferente que le llama mucho la atención. Los sucesos subsiguientes y una sospechosa desaparición, sumado a sus propios problemas personales, revolucionarán su vida y la cambiarán para siempre.
Con saltos temporales y de puntos de vista —para centrarse alternativamente en diferentes personajes de la historia (únicamente los femeninos)—, la obra lleva al lector a ir hilando los sucesos que componen esta historia y, poco a poco, descubrir las relaciones entre los personajes, su pasado, sus debilidades y más.
Thriller atrapante, esta novela compenetra a sus lectores en la trama, especialmente a partir de la particularidad de estar narrado en primera persona. La consecuencia inmediata de ello es que siempre hay una zona oscura, información limitada, lo que conduce al lector a hacer continuamente conjeturas sobre quién es el responsable de la desaparición.
En relación con esto, la construcción de los personajes también es interesante, puesto que únicamente podemos acceder alternativamente a la mente de las mujeres de la historia, y solo a través de su mirada (completamente subjetiva, claro está) vamos armándonos una idea de los personajes masculinos, de quienes siempre nos faltan datos. Todo esto se fusiona y provee el gran suspenso que emana la obra, casi obligándonos a los lectores a seguir leyendo, mientras sospechamos de uno y luego de otro (como suele ocurrir en los policiales) a partir de las enunciaciones de cada mujer.
Personalmente, me quedó revoloteando la duda de si la policía finalmente descubrió (a pesar de que los lectores sí lo sabemos) quién fue el responsable de la desaparición.
5/5 - Estrellas
La importancia de Llamarse Ernesto, de Oscar Wilde
Recuerdos, ausencia, dolor y humor en “Hasta el mismo día en que te perdí”
La obra escrita y dirigida por Diego Brienza se presentó en el Portón de Sánchez y, gracias a su éxito, continuará en el 2019.
En ocasiones la vida hiende sin piedad, forzando a las personas a atravesar situaciones tan difíciles y lacerantes que no se sabe de qué manera procesar. En momentos así, ¿cómo superar el dolor y “seguir pa’lante”? Todos tienen sus estrategias para poder continuar caminando a pesar de la tristeza. Los protagonistas de esta pieza teatral, Alba y su marido (el Hombre), utilizan los recuerdos a su manera: los de ella solo están compuestos por los momentos felices de años pasados; en cambio, él modifica sus recuerdos para su conveniencia. Maniobras todas para disfrazar el dolor con el objetivo de borrarlo y que, quizá, ya no duela tanto.
La obra comienza con el relato de un narrador, quien -incorporado en el escenario casi como un personaje más- se encarga de presentar a los demás y va añadiendo detalles y completando la historia.
Así, valiéndose del vestuario para identificar el cambio de personajes y el juego de luces para diferenciar los recuerdos del ahora, “Hasta el mismo día en que te perdí” presenta un relato fuerte aunque intercalado con el humor y la felicidad de otros tiempos. Un laberinto mnemotécnico compuesto de cantos y coreografías de raigambre española que iluminan sobre el mensaje que se quiere dar, además de contar de dónde vienen los protagonistas.
Por su parte, la música también cumple un papel importante, ya que con las letras de sus canciones ayuda al espectador a descubrir la metáfora, lo que no se dice pero que está ahí, arraigado muy adentro. A pesar de que los protagonistas quieran simular que no pasó o lo nombren de otra manera con la intención de cambiar la realidad, “eso” está agarrado a sus almas con uñas y dientes, sin darles tregua ni posibilidad de alegría.
Alba, en el presente, afirma no tener una pierna, metáfora de lo que realmente se perdió pero que aún no puede aceptar y mucho menos nombrar. Su marido, quien sugestivamente no tiene nombre propio, tampoco puede procesar su angustia y lo maneja inventando objetos que tengan movimiento o “vida” para no pensar y enfrentarse a la realidad. Sin embargo, ninguno puede escaparse de sus sueños, en donde se cuela la cruda verdad.
Excelente texto de Diego Brienza sumado a impecables actuaciones conforman una obra que toca al espectador por su cercanía con sus propias experiencias y que logra, a pesar de todo, arrancar algunas risas y no dejar un sabor amargo.
Ficha técnica:
Dramaturgia: Diego Brienza
Actúan: Daniel Aizicovich, Enrique Dumont, Janina Levin, Claudia Mac Auliffe, Inge Martin, Esteban Rozenszain, Cristian Sabaz, Analía Sánchez, Diego Santos Bailarines: Lourdes Castagna, Candelaria González Castañon, Laura Tonelli
Escultura: Mónica Canzio
Diseño de vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de luces: Francisco Varela
Músico En Escena: Esteban Rozenszain
Fotografía: Maria Horton
Diseño gráfico: Micuana
Producción ejecutiva: Janina Levin
Coreografía: Laura Tonelli
Director musical: Esteban Rozenszain
Dirección: Diego Brienza
Prensa: Sonia Novello
Publicada en Frontal Revista
Diez olvidos al otro lado de las vías, en Teatro La Gloria
Una casona de fin siglo acogedoramente remodelada constituye el Teatro La Gloria, espacio donde, todos los viernes, amantes del teatro independiente se reúnen para ver “Diez olvidos al otro lado de las vías”. Se trata de un drama con toques cómicos, escrito y dirigido por Federico Ponce, que embarca al público en un viaje por la vida de Pura y Julio, quienes deciden vivir bajo el mismo techo durante la última etapa de sus vidas, ante la mirada y prejuicios de un pequeño pueblo atravesado por unas viejas vías de ferrocarril.
Ese recorrido se da a través de continuos saltos en el tiempo que, a partir de la muerte de Julio, van edificando las vidas de cada uno de los personajes que componen esta pieza teatral. Así, las genuinas actuaciones demuestran las miserias y debilidades de los seres humanos, pero también su fortaleza y empuje para seguir hacia adelante a pesar de todo, en especial, de la herencia que cada uno carga por las decisiones de los mayores.
La escenografía y los juegos de luces, por su parte, mutan elocuentemente para guiar al espectador, que se convierte así en testigo de sueños frustrados, muerte, amor, secretos, soledad, melancolía, prejuicios, dolor y un pasado que se mantiene muy presente.
“Nadie olvida, solo silencian los recuerdos”, frase muy significativa para entender esta profunda y desafiante obra que deja qué pensar.
Ficha Técnica:
Dramaturgia y dirección: Federico Ponce.
Actúan: Lala Buján, Federico Falasco, Mirta De Candia, Gloria Cingolani, Emiliano Díaz, Leonardo Odierna y Natalia Imbrosciano
Prensa y Comunicación: Gastón Asprea – AsPa Teatro
Fotografía: CAP Fotografía Social
Producción: La Gloria Espacio Teatral, Los Olvidados
Asistencia de dirección: Manuel Aime y María Chica Serrano
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de luces: Lucas Orchessi.
Vestuario: Belén Pallotta
Diseño sonoro: Gustavo Lucero
Trabajo físico: Manuco Firmani
Diseño de maquillaje: Agus F. Poblet
Realización escenográfica: Lucero escenografía
Diseño gráfico: Rocío Malatesta
Realización set-electric: Paul Damián Pregliasco
Asistencia de escenografía: Vanessa Giraldo
Facilitación dramatúrgica: Marcelo Bertuccio
Publicada en Frontal Revista
Ópera prima de Consuelo Iturraspe, en el Rojas
"Marisa Wayner vende”, con las interpretaciones de Mercedes Najman, Marinha Villalobos y Agustín Meneses.
Escrita y dirigida por Consuelo Iturraspe, “Marisa Wayner vende” cuenta la historia de Marisa, una agente inmobiliaria que muestra propiedades no habitadas a potenciales clientes, intentando ayudarlos a encontrar su lugar. Ella se destaca en su trabajo, pero hay un inmueble que no logra vender y con el cual tiene una relación especial, a tal punto que en ocasiones lo habita.
A lo largo de la obra, Marinha Villalobos y Agustín Meneses se ponen en la piel de diferentes personajes que se entrevistan con Marisa (Mercedes Najman), de manera tal que ayudan al público a descubrir poco a poco la soledad que arrastra la protagonista, quien a pesar de dedicarse a encontrar la vivienda ideal para sus clientes, ella misma no encuentra su lugar en el mundo.
La original escenografía –compuesta por una puerta blanca con ruedas y un fondo negro sobre los que se proyectan dibujos de partes de departamentos y planos de vivienda, sumado a marcas en el piso que ayudan a visualizar los diferentes inmuebles- transporta con agilidad al espectador de un espacio a otro, lo que se ve enriquecido por la música y las bien logradas interpretaciones de los actores.
Con alusiones a los años 90, humor y añoranza, esta obra –ganadora del Concurso Ópera Prima 2018, que organiza todos los años el Centro Cultural Ricardo Rojas para directores nóveles- representa algo más que un simple recorrido por departamentos en venta o alquiler, sino una incansable búsqueda mucho más profunda.
Ficha Técnica:
Actúan: Mercedes Najman, Marinha Villalobos, Agustín Meneses.
Asistencia de dirección: Belén Borghi.
Diseño de movimientos: Paula Erlich.
Escenografía: Marina Raggio.
Vestuario: Florencia Gabelli.
Diseño de luces: Fernando Chacoma.
Instalación visual: Gastón Luciani.
Operador visual: Nahuel Cañada.
Música original: Ariel Obregón.
Diseño sonoro: Alma Laprida.
Diseño gráfico: Agustín Obregón.
Fotografía: Mario Efron.
Dramaturgia y Dirección: Consuelo Iturraspe.
Publicado en Frontal Revista
Reseña de la película "Searching"
Este film narra la historia de un padre desesperado en busca de su hija desaparecida, quien, al no obtener resultados por parte de la policía, no se da por vencido y continúa escarbando en la web para encontrarla.
Se trata de un largometraje diferente, que utiliza en gran parte de las escenas el punto de vista de una persona que observa la pantalla de una computadora (generalmente, centrado en el padre), para mostrar cómo la tecnología de hoy en día puede estar a nuestro servicio con el fin de lograr lo que deseamos y facilitarnos la vida.
A pesar de la incansable publicidad a Google, resulta un film intrigante, con pasajes emotivos y un giro inesperado que sorprende al espectador. Además, se destaca la actuación de John Cho (David Kim).
¡Te desafío a descubrir la pista que da la peli casi al comienzo sobre el giro inesperado del final! Comentalo más abajo.
Ficha técnica:
Director: Aneesh Chaganty
Reparto: John Cho, Debra Messing y Joseph Lee
Duración: 103 minutos
Estreno: 2018
4.50/5 – Estrellas
Reseña de Ocean's 8
Ocean's 8 es la versión femenina y otra rama de la saga "La gran estafa" (protagonizada por George Clooney y Brad Pitt, entre otros actores). En este caso, tiene como líder del grupo de ladrones de élite a la hermana de Danny Ocean (Sandra Bullock), quien, tras cinco años en la cárcel, recobra su libertad muy lejos de estar reformada y ahora planea robar una valiosísima joya.
Siguiendo las mismas características de las típicas películas de robos de Estados Unidos, Debbie Ocean se vale de un grupo de mujeres, expertas cada una en alguna materia útil para los fines que desean alcanzar, y elabora un intrincado plan para ello.
Aunque sin intriga ni originalidad, a excepción de cada uno de los pasos del robo (muy ingeniosos), este film entretiene y hace (de igual manera que la saga de "La gran estafa" y "Rápido y Furioso", entre otras) que el espectador se ponga del lado de los protagonistas delincuentes (logrado esto, seguramente, porque siempre está el criminal traidor, que es aún peor).
Ficha técnica:
Dirección Gary Ross
Actuaciones: Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Rihanna, Sarah Paulson, Mindy Kaling y Awkwafina.
Duración 111 minutos
Estreno 2018
3/5 – Estrellas
"Matar o morir"
Riley pierde trágicamente a su esposo e hija de la mano de la mafia de los narcotraficantes pero la corrupción no permite que los culpables sean encarcelados. Sin consuelo, ella desaparece de la faz de la Tierra hasta que cinco años después descubren qué estuvo haciendo y por qué.
Película de acción, con muchas peleas y violencia, que muestra el lado oscuro de la sociedad y la feroz impotencia, angustia y deseo de justicia de quien lo ha perdido todo. Algo irreal, como muchas películas de acción en las que el protagonista tiene más vidas que un gato, liquida a medio mundo y realiza proezas extraordinarias, sin embargo, posee buenas actuaciones y mantiene la atención del espectador hasta el final.
Ficha técnica:
Director Pierre Morel
Reparto Jennifer Garner, John Ortiz, John Gallagher JR.
3,5/5 – Estrellas
Campo y ciudad: finalmente amor
“Enamorarse es hablar corto y enredado”, de Leandro Airaldo, se presentó los viernes en El camarín de las musas.
Tras la eterna oposición entre campo y ciudad —tan trabajada en la literatura de nuestro país y enfundada en la dicotomía civilización y barbarie, que nos persigue desde tiempos decimonónicos—, aparece una obra que amiga estos dos conceptos o, para decirlo con más propiedad, los enamora.
Ana y Pedro se conocen un día en una plaza. Ella es una señorita de ciudad; él, un señor de campo. Ambos se sientan en el mismo banco, junto a un deshojado árbol, y, poco a poco, mate a mate, la magia se va haciendo presente y la soledad se va desvaneciendo.
Con una austera escenografía y sonidos que acompañan el significado de cada momento, esta tierna y divertida historia envuelve al público entre frases, giros, malentendidos y lo no dicho. Esto es expresado excepcionalmente por los únicos dos actores (Soledad Piacenza y Emiliano Díaz) mediante gestos, muecas y posturas, que dicen tanto o más que las palabras.
En una época en la que muchos banalizan el afecto y predomina la individualidad, “Enamorarse es hablar corto y enredado” demuestra cómo desde lo simple y la autenticidad se puede llegar al amor.
Dramaturgia: Leandro Airaldo
Actúan: Emiliano Díaz, Soledad Piacenza
Vestuario: Alicia Macchi
Escenografía: Miguel Nigro
Iluminación: Luciana Giacobbe
Realización de escenografía: Manuel Escudero
Música: Silvia Vives
Sonido: Silvia Vives
Diseño: Nadia Estebanez, Verónica López
Asistencia de dirección: Nadia Estebanez
Producción: Nadia Estebanez
Dirección: Leandro Airaldo
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
Dolor, soledad y destino en “Misterio del ramo de rosas”
Con una escenografía acorde a la época de la obra, el espectador es arrastrado a través de las historias de dos mujeres reunidas en una habitación de un sanatorio y unidas por el dolor y la soledad. Delia, la enfermera que padece problemas económicos y acarrea desamor y frustraciones, atiende a una paciente mayor que recientemente perdió a su nieto, por lo que decidió ella misma internarse. Terca y autoritaria, esta desde el comienzo deja en claro su situación de poder sobre la enfermera privada, dada por su posición socioeconómica, aunque poco a poco algo más va tejiéndose entre ellas.
Tanto el juego de luces como los cambios en el vestuario son sutiles pero muy elocuentes. Estos marcan los saltos entre la realidad y los sueños o ensoñaciones, que dejan al descubierto lo no dicho. Por su parte, la música aparece esporádicamente para acompañar y enfatizar el mensaje deseado.
Así, el espectador se sumerge en sueños frustrados, mecanismos de poder, humor mordaz, ilusiones escondidas, soledad, dolor y destino. Se trata de una triste y profunda historia de dos mujeres luchadoras, que roza muchos temas, como el lugar de la mujer en distintas épocas, las diferencias sociales, entre otros.
“Misterio de ramos de rosas”, de Manuel Puig, es puesta en escena exitosamente por la compañía teatral De Carencia Virtú, con la dirección de Alejandro Vizzotti y las brillantes actuaciones de Claudia Mac Auliffe y Sonia Novello, en Espacio IFT.
Ficha técnica
Autoría: Manuel Puig
Actúan: Claudia Mac Auliffe, Sonia Novello
Escenografía: Ariel Vaccaro
Iluminación: Mariano Dobrysz
Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño
Fotografía: Pablo Garber
Asesoramiento Corporal: Debora Zanolli
Musicalización: ZYPCE
Producción ejecutiva: De Carencia Virtú
Compañía: De Carencia Virtú
Dirección: Alejandro Vizzotti
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
“Próximo”: amor en la era digital
En “Próximo”, Elián (Santi Marín) —actor español que reside en Madrid— y Pablo (Lautaro Perotti) —un argentino que desde hace un año vive, o mejor dicho, sobrevive realizando diferentes tipos de trabajos en Australia— se conocen por internet. A través de la fluida conversación que mantienen, estos personajes se van construyendo, quienes, palabra a palabra, deslizan su realidad actual y algo de su pasado. Así, dejan a la luz miedos, falsas apariencias, pobreza, culpas y, sobre todo, soledad. Poco a poco, se va entretejiendo un vínculo entre ambos que los une de forma tal que cada uno se vuelve indispensable en la vida del otro. Todo esto sin ningún tipo de contacto físico, solo viéndose por medio de una pantalla y a la distancia. Distancia que no solo es geográfica sino también social y, en cierto modo, lingüística (por las diferentes variedades del español que maneja cada uno). Dos personas completamente disímiles, con realidades opuestas y que residen en distintos lugares del planeta se ven unidos por la soledad que los inunda y los lleva a aferrarse al otro para mantenerse a flote.
Utilizando el cambio de ropa para determinar el paso del tiempo y ante un mismo espacio compartido por ambos personajes, pero con miles de kilómetros de por medio, se abre “este umbral desconocido” —en palabras de uno de los personajes— que propone múltiples interpretaciones y deja un final abierto.
Camaradería, apoyo incondicional, peleas, pequeñas desilusiones, disculpas y recomienzos dan como resultado un amor profundo y un vínculo muy próximo, a pesar de la poca proximidad física. Esto vibra en el escenario gracias a las excelentes y auténticas actuaciones de Perotti y Marín.
Se trata de una obra cruda por dejar ver la realidad que muchos inmigrantes padecen en el exterior, pero al mismo tiempo tierna, conmovedora, esperanzadora, actual, con retazos de humor y que termina revindicando el conocer gente en línea.
Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Claudio Tolcachir
Actúan: Santi Marín, Lautaro Perotti
Diseño de vestuario: Cinthia Guerra
Diseño de escenografía: Sofía Vicini
Diseño de luces: Ricardo Sica
Diseño gráfico: Pauli Coton
Asistencia artística: Cinthia Guerra
Asistencia de iluminación: Lucia Feijoó
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Timbre4, Jonathan Zak
Producción: Complejo Teatral De Buenos Aires, Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Claudio Tolcachir
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
Un solitario no deseado en NÜN Teatro-bar
Luego de atravesar el pintoresco bar y caminar unos metros a través de un angosto pasillo, se ingresa en la pequeña sala teatral de NÜN (Juan Ramírez de Velasco 419), con sus gradas compuestas de largos bancos de madera. Allí, como mirando hacia la nada y sobre un escenario austeramente decorado, ya se encuentran los actores esperando para comenzar…
“Apenas el fin del mundo” es una obra del autor francés Jean-Luc Lagarce, escrita en 1990, que empezó a adquirir fama años después. Hoy, en este diminuto teatro del barrio de Villa Crespo, es puesta en escena bajo la dirección de Federico Ponce y con las actuaciones de Emilse Díaz (Catherine), Chula Quevedo (la madre), Flor Calvo (Suzanne), Carlos Sims (Louis) y Julián Vilar (Antoine).
Muchos años transcurrieron hasta que finalmente Louis se decidiera a regresar a la casa donde vivió en su infancia para volver a ver a su familia, compuesta en ese momento por su madre, su hermana, su hermano y su esposa (a quien aún no conoce). Personaje solitario, el protagonista solo acortó la distancia que los separaba a lo largo de ese tiempo con escuetas postales en contadas ocasiones. Ahora, la motivación que subyace a su decisión de reencontrarse es su inminente muerte y el deseo de solucionar asuntos pendientes.
Durante la obra, el espectador se ve envuelto en reproches, culpas, dolor, rencores, celos, incomodidad, deseo de llenar los vacíos que dejan los silencios y soledad. Sentimientos estos que luchan solapadamente en el interior de los personajes, pero que eventualmente emergen para demostrar que, a pesar de los vanos intentos en un comienzo por aparentar alegría, familiaridad y camaradería, están muy lejos de ser una familia perfecta y que la ausencia del hijo mayor los marcó indefectiblemente.
Se trata de una obra compleja, intensa, dramática, con una minimalista escenografía y un elocuente juego de luces que marca el cambio de escena.
En cuanto a las actuaciones, estas se destacan por lograr que el público se coloque en la piel de cada uno de los personajes, quienes, por turnos, le lanzan a Louis en la cara todo lo que mantuvieron profundamente encasillado dentro de sus almas durante los años de separación. Así, a lo largo de 90 minutos, la responsabilidad de transmitir todo lo que expresa el texto de Lagarce recae casi por completo en los actores, quienes demuestran estar a la altura.
Ficha técnica:
Autor: Jean-Luc Lagarce, Les solitaires intempestifs.
Traducción: Jaime Arrambide.
Actúan: Emilse Díaz, Chula Quevedo, Flor Calvo, Carlos Sims y Julián Vilar.
Diseño de Escenografía: Gustavo Lucero.
Diseño de luces: Lucas Orchessi.
Vestuario: Belén Pallotta.
Diseño sonoro: Gustavo Lucero.
Trabajo Fisico: Manuco Firmani.
Set Eléctrico: Appia Estudio.
Diseño Gráfico: Juan Manuel Echave.
Comunicación: Gastón Asprea – AsPa Teatro.
Asistencia de dirección: María Clara Cianfagna.
Producción: Daniela Lozano.
Dirección: Federico Ponce
Publicado en Frontal Revista
Con su pequeña ola y sus remolinos sin salida, iba y venía, con precisión, un mono muerto, todavía completo y no descompuesto. El agua, ante el bosque, fue siempre una invitación al viaje, que él no hizo hasta no ser mono, sino cadáver de mono. El agua quería llevárselo y lo llevaba, pero se le enredó entre los palos del muelle decrépito y ahí estaba él, por irse y no, y ahí estábamos.
Ahí estábamos, por irnos y no.
(Zama, de Antonio Di Benedetto)
El mono en el remolino es un libro de la escritora entrerriana Selva Almada, que reúne las notas del rodaje de “Zama”, un film de la directora Lucrecia Martel inspirado en la novela homónima de 1956, obra maestra del escritor y periodista Antonio Di Benedetto.
La escritora acompañó a Martel y su equipo durante parte del tiempo que duró el rodaje y, a partir de entrevistas y, especialmente, de la observación de todo lo que la rodeaba, construyó esta original obra compuesta por relatos, pequeñas prosas poéticas, incluso un monólogo y escenas reescritas con mínimas variantes. En estas notas, Almada se detiene en los márgenes del rodaje, en las comunidades aborígenes y en la interacción entre las personas del lugar.
Con descripciones claras, sencillas pero muy elocuentes, el libro cuenta mucho más que simplemente lo que sucede en el rodaje de esta película: “Una anciana quom llegó decidida al casting. En el barrio casi no hay viejos: la gente muere antes a causa de la mala alimentación, la pobreza y las enfermedades. Ella es una de las pocas sobrevivientes. (…) Se vio rodeada de personas blancas y extrañas. Tuvo miedo de que la raptaran”.
A lo largo de sus 93 páginas, el lector ve, huele y siente una realidad muy distinta a la que se vive en Buenos Aires. Así, es testigo del calor y el barro, los insectos, el río Paraná, pueblos olvidados repentinamente transmutados en escenografía, las comunidades quom y pilagá, guaraníes, haitianos, cementerios domésticos y más.
Sobre el título del libro, la escritora explicó: “Parecía como que todo estuviese empapado, inmerso en ese remolino, también por eso el título era un poco esa escena que está al comienzo de Zama, que me parece magistral porque es como la síntesis de la novela, el corazón de la novela puesto en la primera página”.
Sobre Selva Almada
Selva Almada nació en Villa Elisa, Entre Ríos, el 5 de abril de 1973. Es escritora y ha incursionado en poesía, cuento y novela. Irrumpió en la no ficción en 2014, con Chicas muertas, un libro de crónicas sobre casos de femicidio en los años 80.
Almada dejó la carrera de comunicación social a los 20 años y empezó a estudiar literatura. Luego publicó los libros de relatos Una chica de provincia y Niños, y el libro de poemas Mal de muñecas. Su producción literaria cobró particular prestigio y elogios de la crítica en 2012 con la publicación de su primera novela, El viento que arrasa, que cuenta con varias reediciones, fue publicada en el exterior y traducida al francés, portugués, holandés y alemán. Este libro obtuvo el Primer Libro del Festival Internacional del Libro de Edimburgo 2019, más conocido como el First Book Award de Edimburgo.
El laberinto, Matthew Reilly
La biblioteca pública de Nueva York es un santuario de conocimientos: un laberinto centenario de imponentes librerías, angostos pasillos e interminables vestíbulos de mármol.
Para el doctor Stephen Swain y su hija Holly es la materialización de una pesadilla… Ya que por una noche, este insigne edificio se convierte en el escenario de una competición. Una competición en la que Swain debe participar, lo quiera o no. Las reglas son sencillas: siete concursantes entran en el laberinto; solo uno saldrá con vida.
Con una niña de ocho años como única aliada, el doctor Swain se ve empujado a librar una terrible batalla por la supervivencia. Puede intentar huir, esconderse o luchar pero, si quiere seguir vivo, tendrá que vencer. En esta competición, o sales victorioso… o no sales.
Esa es la sinopsis con la que se encuentra el futuro lector al leer la contratapa. Lo que encuentra cuando lee sus páginas es una novela con mucho suspenso, ciencia ficción y bastante sangrienta que se lee muy rápido y fácil, buena opción para esos días que solo se desea puro entretenimiento con una lectura pasativa y que no exija análisis.
Los cambios en el punto de vista desde el cual se relata la historia y los cuantiosos diálogos permiten ir uniendo los hilos que la componen y construyendo a los personajes principales. De esta manera, el lector es testigo de una competición —el Presidian—, en la que Stephen Swain se ve obligado a participar y a la que arrastra sin querer a su hija, Holly. A modo de Los juegos del hambre, el protagonista debe luchar por su vida y la de la pequeña dentro de este laberinto del que no puede salir, para lo que debe utilizar toda su inventiva, inteligencia y la ayuda de su pequeño guía, Selexin. Una y otra vez, Swain se ve inmerso en situaciones de mucha tensión y acción que, a pesar de las desventajas que posee con respecto a los demás participantes, se las ingenia en la mayoría de las ocasiones para salir airoso a último momento, lo que termina imprimiéndole a la historia algo de previsibilidad.
Los cambios en el punto de vista desde el cual se relata la historia y los cuantiosos diálogos permiten ir uniendo los hilos que la componen y construyendo a los personajes principales. De esta manera, el lector es testigo de una competición —el Presidian—, en la que Stephen Swain se ve obligado a participar y a la que arrastra sin querer a su hija, Holly. A modo de Los juegos del hambre, el protagonista debe luchar por su vida y la de la pequeña dentro de este laberinto del que no puede salir, para lo que debe utilizar toda su inventiva, inteligencia y la ayuda de su pequeño guía, Selexin. Una y otra vez, Swain se ve inmerso en situaciones de mucha tensión y acción que, a pesar de las desventajas que posee con respecto a los demás participantes, se las ingenia en la mayoría de las ocasiones para salir airoso a último momento, lo que termina imprimiéndole a la historia algo de previsibilidad.
Desde el comienzo, el lector se encuentra atrapado por lo que sucede y urgido a seguir leyendo, aunque los que no son muy amantes de la ciencia ficción y lo sangriento puede que se desilusionen en alguna medida y no lo agreguen a su lista de libros preferidos. Con todo, es un libro recomendable, en especial, para aquellos que aman la ciencia ficción, la acción y el suspenso.
La caída de los gigantes, de Ken Follett
«La trilogía "The Century" es la historia de mis abuelos y de los vuestros, de nuestros padres y de nuestras vidas. De alguna forma es la historia de todos nosotros». Ken Follet
En esta primera parte de la trilogía –que se completa con El Invierno del Mundo y El umbral de la eternidad- se narra la historia de cinco familias durante el primer cuarto del siglo XX, por lo que se centra especialmente en la Primera Guerra Mundial, la
La historia empieza en 1911, el día de la coronación del rey Jorge V en la abadía de Westminster, y el día en que un joven galés baja por primera a la mina. Así, entramos en la vida de dos familias (los Williams y los Fitzherbert) completamente opuestas en muchos sentidos (posición socioeconómica, ideales políticos…), pero que se ven ligadas por diferentes motivos a lo largo de la historia. También el lector pronto conoce a los demás protagonistas, quienes, oriundos de diferentes partes del mundo, por una u otra razón se encuentran o desencuentran dentro de estos turbulentos años de guerra, amor, traición, revolución y mucho más.
Así, con continuos saltos en el punto de vista para centrarse en diferentes personajes, nos sumergimos alternativamente en la dura vida de una familia de mineros de Gales, los sacrificios que llevan para salir adelante y sus profundas convicciones; en el lujo, el despilfarro y las comodidades de la aristocracia; en las tradiciones de la época, en la germinación y explosión de la Revolución Rusa, en manejos políticos, injusticias sociales, luchas por los derechos humanos, abuso de poder, espías, y sangrientos enfrentamientos bélicos.
En esta larga novela histórica, en la que, por supuesto, inserta a personajes históricos, Ken Follet nos ofrece un esmerado retrato de una época y de las pasiones que estimularon la vida de sus personajes.
Retrato en sangre, de John Katzenbach
La sobrina de la detective Mercedes Barren es brutalmente asesinada. Esta, sin encontrar la paz y mucho menos el consuelo, se embarca en una intrincada persecución del asesino, valiéndose de su instinto, coraje e inteligencia. Persecución que no acabará hasta el final... Hasta que uno de los dos termine muerto.
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| Derechos de la imagen a quien corresponda |
Atrapante policial dramático del ya conocido John Katzenbach, autor de El psicanalista, quien en su gran repertorio de libros demostró que sabe cómo entretejer historias que sumergen al lector en la marea de letras que componen sus libros.
El canto del cuco, Robert Galbraith
Con un estilo atrapante, J. K. Rowling, bajo el seudónimo de Robert Galbraith, vuelve a cautivar a sus lectores con una nueva saga, aunque en este caso de otro género. Lejos de las varitas mágicas, los hechizos y seres maravillosos, esta escritora británica sumerge a sus lectores en el realismo, concretamente, en la novela policial.
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Misterio, humor, celos y camaradería se aúnan al talento de Rowling para mantener al lector conjeturando posibles desenlaces hasta el final.
El canto del cuco es el primer volumen de la saga de misterio, compuesta hasta ahora por 4 obras, que tienen como protagonistas a Cormoran Strike y Robin Ellacott: The Cuckoo’s Calling (2013), The Silkworm (2014), Career of Evil (2015) y Lethal White (2018), esta última recientemente publicada.
La chica del tren, de Paula Kawkins
La chica del tren, novela publicada en 2015 y la primera de la autora, fue un éxito de ventas en todo el mundo y traducida a más de 40 idiomas.
Un día ve algo extraño y diferente que le llama mucho la atención. Los sucesos subsiguientes y una sospechosa desaparición, sumado a sus propios problemas personales, revolucionarán su vida y la cambiarán para siempre.
Con saltos temporales y de puntos de vista —para centrarse alternativamente en diferentes personajes de la historia (únicamente los femeninos)—, la obra lleva al lector a ir hilando los sucesos que componen esta historia y, poco a poco, descubrir las relaciones entre los personajes, su pasado, sus debilidades y más.
Thriller atrapante, esta novela compenetra a sus lectores en la trama, especialmente a partir de la particularidad de estar narrado en primera persona. La consecuencia inmediata de ello es que siempre hay una zona oscura, información limitada, lo que conduce al lector a hacer continuamente conjeturas sobre quién es el responsable de la desaparición.
En relación con esto, la construcción de los personajes también es interesante, puesto que únicamente podemos acceder alternativamente a la mente de las mujeres de la historia, y solo a través de su mirada (completamente subjetiva, claro está) vamos armándonos una idea de los personajes masculinos, de quienes siempre nos faltan datos. Todo esto se fusiona y provee el gran suspenso que emana la obra, casi obligándonos a los lectores a seguir leyendo, mientras sospechamos de uno y luego de otro (como suele ocurrir en los policiales) a partir de las enunciaciones de cada mujer.
Personalmente, me quedó revoloteando la duda de si la policía finalmente descubrió (a pesar de que los lectores sí lo sabemos) quién fue el responsable de la desaparición.
5/5 - Estrellas
La importancia de Llamarse Ernesto, de Oscar Wilde
Se trata de una obra dramática, específicamente una comedia de enredo, estrenada en 1895 en Londres y que muy elocuentemente lleva el subtítulo de “Comedia trivial para gente sería”.
Los protagonistas son dos pícaros muchachos que se inventan una doble vida para, entre otras cosas, evitar los aburridos compromisos sociales y, a su vez, aparentar ser personas honestas y formales ante los demás.
A lo largo de los tres actos que componen esta cómica obra, con ironía e ingenio, Wilde lleva a cabo una fuerte crítica a la sociedad de su época, evidenciando sus rígidas costumbres y falsas apariencias. Esto queda plasmado desde el título (The importance of being earnest), en donde el autor empieza con sus solapados, aunque evidentes juegos de palabras, puesto que Earnest (‘serio’ o ‘formal’) en inglés suena igual a Ernest (Ernesto).
En esa sociedad de finales de la era victoriana, basada en convencionalismos y con códigos de moralidad muy estrictos, los conocidos como “gentlemen” eran hombres que la gente admiraba debido a su clase y aparente perfección. Inmersos en este contexto, todos los personajes tienen su función e importancia para expresar el mensaje que el dramaturgo quiere dar.
Enredos, sarcasmo, mentiras, intereses, prejuicios, pero también amor y comicidad es lo que el lector encontrará entre las páginas este clásico de Oscar Wilde.
A lo largo de los tres actos que componen esta cómica obra, con ironía e ingenio, Wilde lleva a cabo una fuerte crítica a la sociedad de su época, evidenciando sus rígidas costumbres y falsas apariencias. Esto queda plasmado desde el título (The importance of being earnest), en donde el autor empieza con sus solapados, aunque evidentes juegos de palabras, puesto que Earnest (‘serio’ o ‘formal’) en inglés suena igual a Ernest (Ernesto).
En esa sociedad de finales de la era victoriana, basada en convencionalismos y con códigos de moralidad muy estrictos, los conocidos como “gentlemen” eran hombres que la gente admiraba debido a su clase y aparente perfección. Inmersos en este contexto, todos los personajes tienen su función e importancia para expresar el mensaje que el dramaturgo quiere dar.
Enredos, sarcasmo, mentiras, intereses, prejuicios, pero también amor y comicidad es lo que el lector encontrará entre las páginas este clásico de Oscar Wilde.
5/5 - Estrellas
Emboscada, de Adrián y Miguel Aragón
Maximilan Cornell es un ex integrante de los ejércitos de Estados Unidos y británico, quien, luego de desilusionarse de los intereses de ambos gobiernos, se convierte en un mercenario estrictamente entrenado y calificado para el espionaje y la pelea. En Emboscada, un día se ve envuelto en una sospechosa misión que lo llevará lejos de su país en busca de la hija de su ya fallecido mentor, desaparecida en Hong Kong. De esta manera, Max junto a sus expertos amigos, se ve envuelto en una red de misterios, secuestros y violencia.
En esta novela negra, los gemelos españoles Adrián y Miguel Aragón cumplen con las típicas características del género, ofreciendo a sus lectores intriga, delitos, ambientes marginales y un protagonista con demonios propios que lo acechan.
Septiembre, de Rosamunde Pilcher
Con motivo de una fiesta de cumpleaños, una serie de personajes procedentes de Londres, Nueva York, Escocia y España coinciden en el pequeño pueblo de Strachroy. Estamos en septiembre.
Durante este mes, en Escocia se prodigan celebraciones, cacerías y bailes. Sin embargo, al compás de ese ambiente festivo, el destino arrastrará a los protagonistas a situaciones tan dramáticas como sorprendentes y les obligará a tomar decisiones y a afrontar situaciones que marcarán profundamente sus vidas...
Con su habitual destreza narrativa, Rosamunde Pilcher nos transporta a un mundo poblado de emociones, sentimientos y pulsiones anímicas que acaban conformando un acabado perfil de las constantes eternas de la condición humana. Segunda novela de la célebre autora, Septiembre satisface las mejores expectativas del lector.
Hermoso libro y muy recomendable, especialmente para los amantes de la literatura romántica.
Emboscada, de Adrián y Miguel Aragón
En esta novela negra, los gemelos españoles Adrián y Miguel Aragón cumplen con las típicas características del género, ofreciendo a sus lectores intriga, delitos, ambientes marginales y un protagonista con demonios propios que lo acechan.
Septiembre, de Rosamunde Pilcher
Con motivo de una fiesta de cumpleaños, una serie de personajes procedentes de Londres, Nueva York, Escocia y España coinciden en el pequeño pueblo de Strachroy. Estamos en septiembre.
Con su habitual destreza narrativa, Rosamunde Pilcher nos transporta a un mundo poblado de emociones, sentimientos y pulsiones anímicas que acaban conformando un acabado perfil de las constantes eternas de la condición humana. Segunda novela de la célebre autora, Septiembre satisface las mejores expectativas del lector.
Hermoso libro y muy recomendable, especialmente para los amantes de la literatura romántica.
La obra escrita y dirigida por Diego Brienza se presentó en el Portón de Sánchez y, gracias a su éxito, continuará en el 2019.
En ocasiones la vida hiende sin piedad, forzando a las personas a atravesar situaciones tan difíciles y lacerantes que no se sabe de qué manera procesar. En momentos así, ¿cómo superar el dolor y “seguir pa’lante”? Todos tienen sus estrategias para poder continuar caminando a pesar de la tristeza. Los protagonistas de esta pieza teatral, Alba y su marido (el Hombre), utilizan los recuerdos a su manera: los de ella solo están compuestos por los momentos felices de años pasados; en cambio, él modifica sus recuerdos para su conveniencia. Maniobras todas para disfrazar el dolor con el objetivo de borrarlo y que, quizá, ya no duela tanto.
Así, valiéndose del vestuario para identificar el cambio de personajes y el juego de luces para diferenciar los recuerdos del ahora, “Hasta el mismo día en que te perdí” presenta un relato fuerte aunque intercalado con el humor y la felicidad de otros tiempos. Un laberinto mnemotécnico compuesto de cantos y coreografías de raigambre española que iluminan sobre el mensaje que se quiere dar, además de contar de dónde vienen los protagonistas.
Por su parte, la música también cumple un papel importante, ya que con las letras de sus canciones ayuda al espectador a descubrir la metáfora, lo que no se dice pero que está ahí, arraigado muy adentro. A pesar de que los protagonistas quieran simular que no pasó o lo nombren de otra manera con la intención de cambiar la realidad, “eso” está agarrado a sus almas con uñas y dientes, sin darles tregua ni posibilidad de alegría.
Excelente texto de Diego Brienza sumado a impecables actuaciones conforman una obra que toca al espectador por su cercanía con sus propias experiencias y que logra, a pesar de todo, arrancar algunas risas y no dejar un sabor amargo.
Ficha técnica:
Dramaturgia: Diego Brienza
Actúan: Daniel Aizicovich, Enrique Dumont, Janina Levin, Claudia Mac Auliffe, Inge Martin, Esteban Rozenszain, Cristian Sabaz, Analía Sánchez, Diego Santos Bailarines: Lourdes Castagna, Candelaria González Castañon, Laura Tonelli
Escultura: Mónica Canzio
Diseño de vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de luces: Francisco Varela
Músico En Escena: Esteban Rozenszain
Fotografía: Maria Horton
Diseño gráfico: Micuana
Producción ejecutiva: Janina Levin
Coreografía: Laura Tonelli
Director musical: Esteban Rozenszain
Dirección: Diego Brienza
Prensa: Sonia Novello
Publicada en Frontal Revista
Diez olvidos al otro lado de las vías, en Teatro La Gloria
Ese recorrido se da a través de continuos saltos en el tiempo que, a partir de la muerte de Julio, van edificando las vidas de cada uno de los personajes que componen esta pieza teatral. Así, las genuinas actuaciones demuestran las miserias y debilidades de los seres humanos, pero también su fortaleza y empuje para seguir hacia adelante a pesar de todo, en especial, de la herencia que cada uno carga por las decisiones de los mayores.
“Nadie olvida, solo silencian los recuerdos”, frase muy significativa para entender esta profunda y desafiante obra que deja qué pensar.
Ficha Técnica:
Dramaturgia y dirección: Federico Ponce.
Actúan: Lala Buján, Federico Falasco, Mirta De Candia, Gloria Cingolani, Emiliano Díaz, Leonardo Odierna y Natalia Imbrosciano
Prensa y Comunicación: Gastón Asprea – AsPa Teatro
Fotografía: CAP Fotografía Social
Producción: La Gloria Espacio Teatral, Los Olvidados
Asistencia de dirección: Manuel Aime y María Chica Serrano
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de luces: Lucas Orchessi.
Vestuario: Belén Pallotta
Diseño sonoro: Gustavo Lucero
Trabajo físico: Manuco Firmani
Diseño de maquillaje: Agus F. Poblet
Realización escenográfica: Lucero escenografía
Diseño gráfico: Rocío Malatesta
Realización set-electric: Paul Damián Pregliasco
Asistencia de escenografía: Vanessa Giraldo
Facilitación dramatúrgica: Marcelo Bertuccio
Publicada en Frontal Revista
Ópera prima de Consuelo Iturraspe, en el Rojas
"Marisa Wayner vende”, con las interpretaciones de Mercedes Najman, Marinha Villalobos y Agustín Meneses.
Escrita y dirigida por Consuelo Iturraspe, “Marisa Wayner vende” cuenta la historia de Marisa, una agente inmobiliaria que muestra propiedades no habitadas a potenciales clientes, intentando ayudarlos a encontrar su lugar. Ella se destaca en su trabajo, pero hay un inmueble que no logra vender y con el cual tiene una relación especial, a tal punto que en ocasiones lo habita.
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| Foto: Mario Efrón |
La original escenografía –compuesta por una puerta blanca con ruedas y un fondo negro sobre los que se proyectan dibujos de partes de departamentos y planos de vivienda, sumado a marcas en el piso que ayudan a visualizar los diferentes inmuebles- transporta con agilidad al espectador de un espacio a otro, lo que se ve enriquecido por la música y las bien logradas interpretaciones de los actores.
Con alusiones a los años 90, humor y añoranza, esta obra –ganadora del Concurso Ópera Prima 2018, que organiza todos los años el Centro Cultural Ricardo Rojas para directores nóveles- representa algo más que un simple recorrido por departamentos en venta o alquiler, sino una incansable búsqueda mucho más profunda.
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| Foto: Mario Efrón |
Ficha Técnica:
Actúan: Mercedes Najman, Marinha Villalobos, Agustín Meneses.
Asistencia de dirección: Belén Borghi.
Diseño de movimientos: Paula Erlich.
Escenografía: Marina Raggio.
Vestuario: Florencia Gabelli.
Diseño de luces: Fernando Chacoma.
Instalación visual: Gastón Luciani.
Operador visual: Nahuel Cañada.
Música original: Ariel Obregón.
Diseño sonoro: Alma Laprida.
Diseño gráfico: Agustín Obregón.
Fotografía: Mario Efron.
Dramaturgia y Dirección: Consuelo Iturraspe.
Publicado en Frontal Revista
Reseña de la película "Searching"
Este film narra la historia de un padre desesperado en busca de su hija desaparecida, quien, al no obtener resultados por parte de la policía, no se da por vencido y continúa escarbando en la web para encontrarla.
Se trata de un largometraje diferente, que utiliza en gran parte de las escenas el punto de vista de una persona que observa la pantalla de una computadora (generalmente, centrado en el padre), para mostrar cómo la tecnología de hoy en día puede estar a nuestro servicio con el fin de lograr lo que deseamos y facilitarnos la vida.
A pesar de la incansable publicidad a Google, resulta un film intrigante, con pasajes emotivos y un giro inesperado que sorprende al espectador. Además, se destaca la actuación de John Cho (David Kim).
¡Te desafío a descubrir la pista que da la peli casi al comienzo sobre el giro inesperado del final! Comentalo más abajo.
Ficha técnica:
Director: Aneesh Chaganty
Reparto: John Cho, Debra Messing y Joseph Lee
Duración: 103 minutos
Estreno: 2018
4.50/5 – Estrellas
Reseña de Ocean's 8
Ocean's 8 es la versión femenina y otra rama de la saga "La gran estafa" (protagonizada por George Clooney y Brad Pitt, entre otros actores). En este caso, tiene como líder del grupo de ladrones de élite a la hermana de Danny Ocean (Sandra Bullock), quien, tras cinco años en la cárcel, recobra su libertad muy lejos de estar reformada y ahora planea robar una valiosísima joya.
Siguiendo las mismas características de las típicas películas de robos de Estados Unidos, Debbie Ocean se vale de un grupo de mujeres, expertas cada una en alguna materia útil para los fines que desean alcanzar, y elabora un intrincado plan para ello.
Aunque sin intriga ni originalidad, a excepción de cada uno de los pasos del robo (muy ingeniosos), este film entretiene y hace (de igual manera que la saga de "La gran estafa" y "Rápido y Furioso", entre otras) que el espectador se ponga del lado de los protagonistas delincuentes (logrado esto, seguramente, porque siempre está el criminal traidor, que es aún peor).
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| Derechos de la imagen a quien corresponde |
Ficha técnica:
Dirección Gary Ross
Actuaciones: Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Rihanna, Sarah Paulson, Mindy Kaling y Awkwafina.
Duración 111 minutos
Estreno 2018
3/5 – Estrellas
"Matar o morir"
Riley pierde trágicamente a su esposo e hija de la mano de la mafia de los narcotraficantes pero la corrupción no permite que los culpables sean encarcelados. Sin consuelo, ella desaparece de la faz de la Tierra hasta que cinco años después descubren qué estuvo haciendo y por qué.
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| Derechos de la imagen a quien corresponda. |
Ficha técnica:
Director Pierre Morel
Reparto Jennifer Garner, John Ortiz, John Gallagher JR.
3,5/5 – Estrellas
Campo y ciudad: finalmente amor
“Enamorarse es hablar corto y enredado”, de Leandro Airaldo, se presentó los viernes en El camarín de las musas.
Tras la eterna oposición entre campo y ciudad —tan trabajada en la literatura de nuestro país y enfundada en la dicotomía civilización y barbarie, que nos persigue desde tiempos decimonónicos—, aparece una obra que amiga estos dos conceptos o, para decirlo con más propiedad, los enamora.
Ana y Pedro se conocen un día en una plaza. Ella es una señorita de ciudad; él, un señor de campo. Ambos se sientan en el mismo banco, junto a un deshojado árbol, y, poco a poco, mate a mate, la magia se va haciendo presente y la soledad se va desvaneciendo.
Con una austera escenografía y sonidos que acompañan el significado de cada momento, esta tierna y divertida historia envuelve al público entre frases, giros, malentendidos y lo no dicho. Esto es expresado excepcionalmente por los únicos dos actores (Soledad Piacenza y Emiliano Díaz) mediante gestos, muecas y posturas, que dicen tanto o más que las palabras.
En una época en la que muchos banalizan el afecto y predomina la individualidad, “Enamorarse es hablar corto y enredado” demuestra cómo desde lo simple y la autenticidad se puede llegar al amor.
Dramaturgia: Leandro Airaldo
Actúan: Emiliano Díaz, Soledad Piacenza
Vestuario: Alicia Macchi
Escenografía: Miguel Nigro
Iluminación: Luciana Giacobbe
Realización de escenografía: Manuel Escudero
Música: Silvia Vives
Sonido: Silvia Vives
Diseño: Nadia Estebanez, Verónica López
Asistencia de dirección: Nadia Estebanez
Producción: Nadia Estebanez
Dirección: Leandro Airaldo
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
Dolor, soledad y destino en “Misterio del ramo de rosas”
Con una escenografía acorde a la época de la obra, el espectador es arrastrado a través de las historias de dos mujeres reunidas en una habitación de un sanatorio y unidas por el dolor y la soledad. Delia, la enfermera que padece problemas económicos y acarrea desamor y frustraciones, atiende a una paciente mayor que recientemente perdió a su nieto, por lo que decidió ella misma internarse. Terca y autoritaria, esta desde el comienzo deja en claro su situación de poder sobre la enfermera privada, dada por su posición socioeconómica, aunque poco a poco algo más va tejiéndose entre ellas.
Tanto el juego de luces como los cambios en el vestuario son sutiles pero muy elocuentes. Estos marcan los saltos entre la realidad y los sueños o ensoñaciones, que dejan al descubierto lo no dicho. Por su parte, la música aparece esporádicamente para acompañar y enfatizar el mensaje deseado.
Así, el espectador se sumerge en sueños frustrados, mecanismos de poder, humor mordaz, ilusiones escondidas, soledad, dolor y destino. Se trata de una triste y profunda historia de dos mujeres luchadoras, que roza muchos temas, como el lugar de la mujer en distintas épocas, las diferencias sociales, entre otros.
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| Foto: Pablo Garber |
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| Foto: Pablo Garber |
Ficha técnica
Autoría: Manuel Puig
Actúan: Claudia Mac Auliffe, Sonia Novello
Escenografía: Ariel Vaccaro
Iluminación: Mariano Dobrysz
Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño
Fotografía: Pablo Garber
Asesoramiento Corporal: Debora Zanolli
Musicalización: ZYPCE
Producción ejecutiva: De Carencia Virtú
Compañía: De Carencia Virtú
Dirección: Alejandro Vizzotti
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
“Próximo”: amor en la era digital
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| PH Teatro Sarmiento |
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| PH Teatro Sarmiento |
Camaradería, apoyo incondicional, peleas, pequeñas desilusiones, disculpas y recomienzos dan como resultado un amor profundo y un vínculo muy próximo, a pesar de la poca proximidad física. Esto vibra en el escenario gracias a las excelentes y auténticas actuaciones de Perotti y Marín.
Se trata de una obra cruda por dejar ver la realidad que muchos inmigrantes padecen en el exterior, pero al mismo tiempo tierna, conmovedora, esperanzadora, actual, con retazos de humor y que termina revindicando el conocer gente en línea.
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| PH Teatro Sarmiento |
Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Claudio Tolcachir
Actúan: Santi Marín, Lautaro Perotti
Diseño de vestuario: Cinthia Guerra
Diseño de escenografía: Sofía Vicini
Diseño de luces: Ricardo Sica
Diseño gráfico: Pauli Coton
Asistencia artística: Cinthia Guerra
Asistencia de iluminación: Lucia Feijoó
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Timbre4, Jonathan Zak
Producción: Complejo Teatral De Buenos Aires, Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Claudio Tolcachir
5/5 - Estrellas
Publicado en Frontal Revista
Un solitario no deseado en NÜN Teatro-bar
Luego de atravesar el pintoresco bar y caminar unos metros a través de un angosto pasillo, se ingresa en la pequeña sala teatral de NÜN (Juan Ramírez de Velasco 419), con sus gradas compuestas de largos bancos de madera. Allí, como mirando hacia la nada y sobre un escenario austeramente decorado, ya se encuentran los actores esperando para comenzar…
“Apenas el fin del mundo” es una obra del autor francés Jean-Luc Lagarce, escrita en 1990, que empezó a adquirir fama años después. Hoy, en este diminuto teatro del barrio de Villa Crespo, es puesta en escena bajo la dirección de Federico Ponce y con las actuaciones de Emilse Díaz (Catherine), Chula Quevedo (la madre), Flor Calvo (Suzanne), Carlos Sims (Louis) y Julián Vilar (Antoine).
Muchos años transcurrieron hasta que finalmente Louis se decidiera a regresar a la casa donde vivió en su infancia para volver a ver a su familia, compuesta en ese momento por su madre, su hermana, su hermano y su esposa (a quien aún no conoce). Personaje solitario, el protagonista solo acortó la distancia que los separaba a lo largo de ese tiempo con escuetas postales en contadas ocasiones. Ahora, la motivación que subyace a su decisión de reencontrarse es su inminente muerte y el deseo de solucionar asuntos pendientes.
Durante la obra, el espectador se ve envuelto en reproches, culpas, dolor, rencores, celos, incomodidad, deseo de llenar los vacíos que dejan los silencios y soledad. Sentimientos estos que luchan solapadamente en el interior de los personajes, pero que eventualmente emergen para demostrar que, a pesar de los vanos intentos en un comienzo por aparentar alegría, familiaridad y camaradería, están muy lejos de ser una familia perfecta y que la ausencia del hijo mayor los marcó indefectiblemente.
Se trata de una obra compleja, intensa, dramática, con una minimalista escenografía y un elocuente juego de luces que marca el cambio de escena.
En cuanto a las actuaciones, estas se destacan por lograr que el público se coloque en la piel de cada uno de los personajes, quienes, por turnos, le lanzan a Louis en la cara todo lo que mantuvieron profundamente encasillado dentro de sus almas durante los años de separación. Así, a lo largo de 90 minutos, la responsabilidad de transmitir todo lo que expresa el texto de Lagarce recae casi por completo en los actores, quienes demuestran estar a la altura.
Ficha técnica:
Autor: Jean-Luc Lagarce, Les solitaires intempestifs.
Traducción: Jaime Arrambide.
Actúan: Emilse Díaz, Chula Quevedo, Flor Calvo, Carlos Sims y Julián Vilar.
Diseño de Escenografía: Gustavo Lucero.
Diseño de luces: Lucas Orchessi.
Vestuario: Belén Pallotta.
Diseño sonoro: Gustavo Lucero.
Trabajo Fisico: Manuco Firmani.
Set Eléctrico: Appia Estudio.
Diseño Gráfico: Juan Manuel Echave.
Comunicación: Gastón Asprea – AsPa Teatro.
Asistencia de dirección: María Clara Cianfagna.
Producción: Daniela Lozano.
Dirección: Federico Ponce
Publicado en Frontal Revista
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